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lunes, 18 de febrero de 2013
jueves, 20 de diciembre de 2012
¿Qué es un LUT? Technicolor CineStyle para Canon DSLR
¿Qué es un LUT? Technicolor CineStyle para Canon DSLR
¿Qué es un LUT y cuáles son sus usos?
LUT significa “Look Up Table” y es conveniente pensar en esto como una ecuación matemática: R= S+L
“R” es el resultado de lo que deseas obtener.
“S” es el archivo de origen.
“L” es tu LUT o la diferencia necesaria entre tu archivo de origen y tu resultado deseado.
LUT significa “Look Up Table” y es conveniente pensar en esto como una ecuación matemática: R= S+L
“R” es el resultado de lo que deseas obtener.
“S” es el archivo de origen.
“L” es tu LUT o la diferencia necesaria entre tu archivo de origen y tu resultado deseado.
En cualquier caso, el LUT es la forma de lograr la diferencia entre el archivo de origen y el resultado. Nunca es el resultado por sí mismo. ¿Y cuál es la lógica del funcionamiento de esto?, lo explicaremos con algunos ejemplos:
Corrección de Color
Un ejemplo muy común es cuando se transfiere tu archivo a cinta de cine, negativos reales. Los negativos vienen en una gran variedad de estilos y variantes. Cada estilo tiene variaciones específicas en cuanto al color. El laboratorio de revelado, ya cuenta con toda esa información o te podrán enviar una prueba para que puedas empezar a trabajar. Esto será tu resultado final. El colorista (encargado de la graduación de color) gradúa la imagen en un monitor calibrado, pero si mandara esa imagen a impresión en negativo, podría terminar viéndose diferente por las variantes del negativo físico.
De acuerdo con nuestra analogía de la ecuación matemática, su imágen graduada es “S” y el la impresión de los negativos son “R”. Entonces el tiene que utilizar la información del laboratorio de revelado, crea y aplica el LUT o “L” y de esta forma logrará ver el cual será el resultado final en el negativo físico. Después de aplicar el LUT, su imagen puede verse muy mal en el monitor, pero se verá correctamente en la impresión de los negativos.
Calibración de Color
La otra opción que el colorista puede tomar es aplicar la información de el tipo de negativo antes de empezar el proceso de corrección de color y de esta forma aplicará la graduación tal y como se vería en el negativo revelado. Ahora se ve bien en su monitor, pero si realizara la graduación de color de su proyecto y lo subiera a internet, no se vería de la manera correcta, ya que aplicó el LUT a su monitor al iniciar. Aunque este es un método común para calibrar monitores para graduación en REC709 y P3, esto es mucho más avanzado de lo que quiero mencionar en este momento.
Resumen
Lo que hay que resaltar es que los LUT’s no son utilizados para graduar de manera creativa un archivo, sino que se usan para marcar la diferencia entre el archivo de origen y el resultado. En una aplicación práctica con el perfíl de CineStyle, el LUT te permitirá ver el archivo durante el proceso de edición de manera más natural, a diferencia de la imagen plana y desaturada que se grabó originalmente. Lo mejor es eliminar el LUT una vez que terminas el proceso de edición y antes de realizar la corrección de color. Al realizar la corrección de color debes contar con un monitor calibrado que te diga realmente de qué color es, y que tú puedas determinar de qué color debe ser. Si no se usa con cuidado, el uso incorrecto del LUT, puede arruinar tu imagen o limitar las opciones de manipulación de la imagen en post.
Nadie dice que no debes aplicar un LUT para hacer tu proceso de graduación, sin embargo tienes que tener presente este punto, si tu imagen no se ve bien al inicio, tampoco se va a ver bien cuando apliques el LUT. En este caso prácticamente lo que haces es convertir el LUT en un filtro de corrección de color, lo cual definitivamente no es lo ideal.
* En todos los casos presuponemos que el colorista o tú, estan graduando a través de un monitor correctamente calibrado para evaluación y terminado. Los LUT’s no remplazan de manera alguna la calibración adecuada o una graduación de color adecuada, sólo te ayudan en el proceso.
lunes, 17 de diciembre de 2012
7 Tips for HD Color Correction and DSLR Color Correction
Color correction is just one step of the entire filmmaking process…but oh, what a difference it can make. You can take average footage and really make it pop, sing and enhance the viewing experience of your project. If you have excellent footage, then the sky is the limit. You can also make images look garish, ugly and destroy all the hard work the crew did to capture those images on the day of the shoot. The challenges and choices are many and it comes with great responsibility if you are the one applying the Color Correction and Color Grade. In the indie film world, jobs are more often merged and unified and Color Correction is more and more falling into the hands of the Editor. The smaller the budget and tighter the deadline…the more often this becomes true. Shane asked me to take this opportunity and pass on some tips and tricks I have learned over the years of Coloring features, shorts, ads, music videos and documentaries. I choose to use Adobe CS5.5 for my Color post work and bounce between After Effects,Photoshop and Premiere as I love the seamless integration it provides. I am ecstatic to be integrating Speedgrade into my workflow as it will be part of the upcoming CS6 release. That said…the tips I would like to share with you are applicable to all Color Correction software.
To get on the same page, let’s quickly go over some terminology that clarifies what is what in this realm.
COLOR CORRECTION is the process where every clip is manually tweaked to get a good exposure and balance of light. Each clip is adjusted to match color temperature to a predefined choice for each scene. This tedious and mechanical process is essential and in its own way, an art form. The use of SCOPES (Waveform, Vectroscope, Parade) is critical to this step and luckily most NLE’s and Grading software have them built-in. Without them you are literally flying blind and solely trusting your eyes, which have to adjust to room light ambience, fatigue, funky monitors and other factors constantly. Trust the SCOPES and let them guide you into accurate and creative decision making.
COLOR GRADING is the creative process where decisions are made to further enhance or establish a new visual tone to the project through software including: introducing new color themes, re-lighting within a frame, films stock emulations, color gradients and a slew of other choices. Being that this is purely creative, there is no wrong or right…only what the DP, director and colorist feel is appropriate for the story. It can be subtle and invisible or over-the-top and uber-stylized. Therein lies the challenge…The challenge of choices. The tools available are so numerous, powerful and often free (Davinci Resolve Lite!) that you have no excuse not to explore these options further before you embark on the Grading journey.
LIFT-GAMMA-GAIN / SHADOWS-MIDTONES-HILIGHTS / BLACKS-MIDS-WHITES
These are the 3 interchangeable assignments used to describe what portion of the image you will be working with. Every program uses one of the 3 naming conventions above, but in essence they are all the same. Even when working with LEVELS or CURVES, you rely on numericals but still have 3 sliders (at least) to make your adjustments. With these 3 controls, you can mold images almost at will.
These are the 3 interchangeable assignments used to describe what portion of the image you will be working with. Every program uses one of the 3 naming conventions above, but in essence they are all the same. Even when working with LEVELS or CURVES, you rely on numericals but still have 3 sliders (at least) to make your adjustments. With these 3 controls, you can mold images almost at will.
There are so many different elements to Color Correction that trying to fit it all into one blog would be futile. I would like to focus on several specific tips that will allow the indie filmmaker to be as effective as possible in creating imagery that will help serve the story. I would like to thank Michael Evanet, the director of “HWY”, for allowing me to share his footage for this blog. I just finished editing and Color Correcting his film.
TIP #1 – SHOOT WITH A FLAT OR LOG PROFILE
Shane has learned over his extensive research and testing of every profile available that choosing a flat profile will allow you to capture as much information as possible into the camera. When I shoot on the 5Dmkii, I like to use Technicolor Cinestyle or Canon Neutral with minimal sharpness and contrast. I’m also about to test the Similaar Flaat profiles that just became available in 4 different flavors. The camera companies often have stock profiles that look contrasty and rich in camera but when analyzed on a monitor, you will have crushed blacks and blown-out highlights. That is information that is gone forever and you cannot get it back. We, as filmmakers with the tools in our hands, cannot accept stock anything! Just as auto anything on the camera is a recipe for disaster, stock profiles are for rank amateurs. Tweak away!
Shane has learned over his extensive research and testing of every profile available that choosing a flat profile will allow you to capture as much information as possible into the camera. When I shoot on the 5Dmkii, I like to use Technicolor Cinestyle or Canon Neutral with minimal sharpness and contrast. I’m also about to test the Similaar Flaat profiles that just became available in 4 different flavors. The camera companies often have stock profiles that look contrasty and rich in camera but when analyzed on a monitor, you will have crushed blacks and blown-out highlights. That is information that is gone forever and you cannot get it back. We, as filmmakers with the tools in our hands, cannot accept stock anything! Just as auto anything on the camera is a recipe for disaster, stock profiles are for rank amateurs. Tweak away!
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TIP #2 – TRUST THE WAVEFORM, VECTROSCOPE and PARADE SCOPES
In PREMIERE, go to the WINDOW tab and choose WORKSPACE and COLOR CORRECTION. Push the little RGB BUTTON on the bottom right of any window. This will reveal the SCOPES and more. Waveform=Luminance. Vectroscope=Chrominance. Parade=Red,Green,Blue values. I can’t stress enough how critical and essential it is to use these tools. Once you embrace the SCOPES, you will be confident to plow through footage and have instant visual feedback to confirm you are making the right decisions. I won’t broach the calibrated monitor issue that is always lurking ($$$) and will just say that understanding and trusting the SCOPES will get you 95% of the way home. Grab a Matrox Mini and use that to calibrate any LCD TV if you’re in a pinch. This includes finishing projects for broadcast or passing QC for distribution. I’ve on-lined 4 indie features on Final Cut Prousing only SCOPES that all passed QC the first time around. I was sweating bullets…but survived! Adobe makes it even easier for me now.
In PREMIERE, go to the WINDOW tab and choose WORKSPACE and COLOR CORRECTION. Push the little RGB BUTTON on the bottom right of any window. This will reveal the SCOPES and more. Waveform=Luminance. Vectroscope=Chrominance. Parade=Red,Green,Blue values. I can’t stress enough how critical and essential it is to use these tools. Once you embrace the SCOPES, you will be confident to plow through footage and have instant visual feedback to confirm you are making the right decisions. I won’t broach the calibrated monitor issue that is always lurking ($$$) and will just say that understanding and trusting the SCOPES will get you 95% of the way home. Grab a Matrox Mini and use that to calibrate any LCD TV if you’re in a pinch. This includes finishing projects for broadcast or passing QC for distribution. I’ve on-lined 4 indie features on Final Cut Prousing only SCOPES that all passed QC the first time around. I was sweating bullets…but survived! Adobe makes it even easier for me now.
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TIP #3 – ORDER OF OPERATIONS
To maintain image quality and to preserve as much info as possible, it’s important to do things in the proper order. Just as you wouldn’t ice a cake before you bake it, when you apply an effect is critical. I have always achieved great results using Stu Maschwitz’s advice. Doing Color Correction on your footage in this order will help you maintain extremely high quality in the interaction of all the effects you use. Not all steps are needed for every shot but in case you have to use them all, here they are:
To maintain image quality and to preserve as much info as possible, it’s important to do things in the proper order. Just as you wouldn’t ice a cake before you bake it, when you apply an effect is critical. I have always achieved great results using Stu Maschwitz’s advice. Doing Color Correction on your footage in this order will help you maintain extremely high quality in the interaction of all the effects you use. Not all steps are needed for every shot but in case you have to use them all, here they are:
1. Remove artifacts and de-noise.
2. Balance your shots by adjusting BLACKS/MIDS/WHITES, SATURATION and WHITE BALANCE.
3. Relight within a shot using power windows or masks.
4. Add gradients, diffusion and other lens filters.
5. Add vignettes
6. Grade your images
7. Simulate a film stock of your choice
8. Resize and sharpen
2. Balance your shots by adjusting BLACKS/MIDS/WHITES, SATURATION and WHITE BALANCE.
3. Relight within a shot using power windows or masks.
4. Add gradients, diffusion and other lens filters.
5. Add vignettes
6. Grade your images
7. Simulate a film stock of your choice
8. Resize and sharpen
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TIP #4 – THE FAST COLOR CORRECTER EFFECT in PREMIERE is 32 BIT, EASY AND EFFECTIVE
This video effect is a great starting point to tackle any shot. This one effect will allow you in REAL-TIME to address levels, saturation, tinting of the image, white balance and more. The shot below shows how I added contrast by raising the input black slider and lowering the white input slider. I used the color wheel and dragged towards orange to counteract the blue in the original image. You can also use the White Balance dropper to achieve an accurate starting point…but I preferred in this case to Tint the whole image towards orange and approximate a 1950’s film look. I boosted saturation by a healthy 40% to make the image pop. Finally, a 2.35 matte was added to approximate the old Cinemascope aspect ratio.
This video effect is a great starting point to tackle any shot. This one effect will allow you in REAL-TIME to address levels, saturation, tinting of the image, white balance and more. The shot below shows how I added contrast by raising the input black slider and lowering the white input slider. I used the color wheel and dragged towards orange to counteract the blue in the original image. You can also use the White Balance dropper to achieve an accurate starting point…but I preferred in this case to Tint the whole image towards orange and approximate a 1950’s film look. I boosted saturation by a healthy 40% to make the image pop. Finally, a 2.35 matte was added to approximate the old Cinemascope aspect ratio.
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TIP #5 - ADJUST YOUR LIFT/SHADOWS/BLACKS FIRST
By adjusting your BLACKS first, you get a baseline started to balance your image. I like working from the bottom up and getting my BLACKS just kissing 0 IRE on the WAVEFORM. I then push the WHITES up to expand my image and get some contrast into it. Finally, I tweak the MIDS as needed. You will notice that moving the BLACKS or WHITES up or down will affect the entire WAVEFORM so there is a give and take dance as you work back and forth. MIDS do not affect the BLACKS or WHITES too much and that is why you should work with them last. Lastly, if you raise MIDS, you will lose overall saturation to the image, so compensate by bumping up the SATURATION to keep the colors popping.
By adjusting your BLACKS first, you get a baseline started to balance your image. I like working from the bottom up and getting my BLACKS just kissing 0 IRE on the WAVEFORM. I then push the WHITES up to expand my image and get some contrast into it. Finally, I tweak the MIDS as needed. You will notice that moving the BLACKS or WHITES up or down will affect the entire WAVEFORM so there is a give and take dance as you work back and forth. MIDS do not affect the BLACKS or WHITES too much and that is why you should work with them last. Lastly, if you raise MIDS, you will lose overall saturation to the image, so compensate by bumping up the SATURATION to keep the colors popping.
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TIP #6 - MIDS ARE WHERE FACES LIVE
MIDS are where the skin tones live and you can really make a face pop by raising the MIDS after you have a good balanced image. Sometimes it feels easy to raise the EXPOSURE in Premiere or After Effects to brighten a face or scene…but that raises all the levels evenly and will ultimately not be as effective as separately adjusting the 3 zones. A good IRE for a properly exposed face is 60-70 IRE on the WAVEFORM. If you raise the MIDS too much, you will introduce the beast of digital noise, so use judicially!
MIDS are where the skin tones live and you can really make a face pop by raising the MIDS after you have a good balanced image. Sometimes it feels easy to raise the EXPOSURE in Premiere or After Effects to brighten a face or scene…but that raises all the levels evenly and will ultimately not be as effective as separately adjusting the 3 zones. A good IRE for a properly exposed face is 60-70 IRE on the WAVEFORM. If you raise the MIDS too much, you will introduce the beast of digital noise, so use judicially!
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TIP #7 - Look for the FLESH LINE on the VECTROSCOPE to see how far off your skin tone is. On the 3-Way Color Corrector effect, or on a plug-in like Colorista, you can change the specific zone of color where the flesh tones live. By adjusting the color of the MIDS wheel you can introduce the proper hues into a face that need tweaking. Move the wheel in the direction of the color you need more of in your face. Watch the section of skin tone move until it lines up with FLESH LINE. An interesting note is that the FLESH LINE is accurate for all races and skin tones. We all share the same skin pigment that registers as numeric FLESH color. Proper WHITE BALANCING earlier will make this a minor but still important adjustment. If you are going for a natural look, no one likes a pink, red or green face. SATURATION should be dialed in at this point to give a natural look to the flesh tone. Here’s a subtle example of adjusting for skin…and an overt example for comparison. Neither is right or wrong….it’s all up to what feels right for that moment.
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I hope that I was able to pass on some helpful knowledge and that you learned at least one thing you didn’t know before you read this. There are infinite ways to approach Color Correction and the best thing is…no one way is the best. You don’t need every plug-in known to man, a 4k projector and a $20,000 control surface to color correct. You only need time, the simplest effects and a sense of wonder and excitement. Feel free to push the footage around and see how it responds. What may look like a mistake on one shot could be the secret sauce you need for a completely different shot. Experiment and enjoy!
martes, 6 de noviembre de 2012
XliderCAM-M
Aunque el XliderCAM-M no deja de ser, sobre el papel, más que un deslizador (slider) motorizado; las particularidades de su diseño y la flexibilidad de su software de control le permiten alcanzar unas prestaciones sorprendentes, muchas de ellas únicas en el mercado, que han logrado convertirlo rápidamente en un codiciado objeto de deseo.
jueves, 4 de octubre de 2012
miércoles, 3 de octubre de 2012
miércoles, 26 de septiembre de 2012
Herramientas para grabar vídeo en DSLR
Estrenamos la nueva sección de fotografía en Xombit. Desde hoy mismo, todos los lunes tendréis disponible un artículo relacionado con este arte. Esta semana hablamos de herramientas que faciliten y mejoren la calidad de nuestros vídeos grabados con cámaras DSLR, proponiendo la construcción de algunas como un estabilizador para nuestras cámaras o una dolly sobre raíles.
Aunque termina el mes, este lunes estrenamos sección en Xombit. Esta será una sección de fotografía en la que trataremos temas muy diversos, desde técnica y teoría fotográfica y herramientas que utilizar con nuestras cámaras hasta historia de la fotografía o análisis de la obra de algunos fotógrafos.
Entrando en materia, se acerca el final de los exámenes y en breve comenzará la temporada de hacer realidad esos proyectos (audiovisuales en este caso) que llevamos planeando meses. Pues bien, hoy hemos querido ayudar a todos aquellos que graben vídeo en DSLR. Esta semana en la sección de fotografía toca hablar de herramientas que nos ayuden en la grabación de vídeo con cámaras réflex, un sistema de rodaje muy extendido que verá aumentada su calidad gracias a estos productos.
Seguro que a alguno de vosotros se os ha dado la situación de estar rodando, tener que hacer un plano en movimiento y ver que por muy lento que camine el cámara, el resultado final está movido y confuso. Pues aquí os dejamos un vídeo de cómo construir un estabilizador (por parte de Pixel Art Worx) en el que, al final, podemos ver cual es el resultado obtenido con esta herramienta.
Como vemos, para construir este estabilizador tenemos que ser unos manitas, pero bueno, esa dedicación es una de las complicaciones de este arte, ¿No? Seguro que con tiempo y ganas podemos hacerlo.
La siguiente herramienta que os proponemos es una Dolly casera, objeto que en una superficie lisa, con unos tubos de fregona a modo de raíles o unida a una tabla de madera, nos ayudará con los movimientos de cámara al estilo travelling. El autor de este vídeo nos dice que el precio de los materiales asciende a un total de 15 euros ¿Será cierto? Lo único que os podemos decir es que su método es bastante ingenioso y con productos que casi todos tenemos en casa, lo que hará a esta Dolly bastante más barata de construir que el estabilizador.
Para terminar, volvemos a un elemento un poco más complicado de construir, un Slider, siendoFriedhelm Fischer el encargado de explicarnos cómo fabricarlo. Esta herramienta es parecida a la Dolly que os hemos presentado antes, nos ayudará a hacer travellings pero con un sistema de movimiento diferente y un poco más sofisticado. Como comprobaréis da unos planos muy bonitos y nos ayudará a movernos de formas más complicadas y precisas que en el caso de la Dolly casera.
Ahora os toca a vosotros experimentar y contarnos qué herramientas os habéis construido de manera casera. Estamos deseando ver el fruto de vuestro ingenio y, por supuesto, cómo habéis puesto en práctica las herramientas que aquí os proporcionamos. Hasta la semana que viene.
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lunes, 3 de septiembre de 2012
Configurar nuestra DSLR para video
El video con cámaras réflex está demostrando ser una revolución. Poder grabar video de calidad profesional con una cámara que cuesta mucho menos que cámaras de video de calidad equivalente y que ademas son pequeñas, versátiles y discretas nos permite rodar en casi cualquier sitio al mas puro estilo “guerrilla”. Pero el hecho de que nuestra cámara pueda grabar video no significa que sepamos configurar la cámara para que grabe el mejor video posible; no hay que olvidad que Canon incluyó la función de video como un “extra” y que nunca fue pensado como la función principal de sus modelos actuales. Esta guía está principalmente pensada para la Canon 7D ya que es el modelo que yo uso, pero la mayoría de cosas pueden extrapolarse a la 5D Mk2, 550D y 60D.
Perfil de Imagen
Lo primero que hay que configurar es un perfil de imagen que nos permita etalonar la imagen en post-producción sin destruirla. Una de las limitaciones del video con DSLRs es que el video queda grabado en H.264 bastante comprimido y ya de base nos hace perder imagen y control en post. Si configuramos un perfil de imagen “plano” podemos conseguir mayor detalle tanto en las sombras como en las luces y luego en post ajustar contraste, saturación y nitidez hasta llegar a nuestro look deseado.
En la 7D vamos a pulsar el boton Menu, ir a la segunda sección y entrar en “Picture Style”. Una vez ahi elegiremos uno de los perfiles de usuario y pulsaremos el boton fisico “INFO.” para configurarlo. Elegimos el perfil “neutral” como base y bajamos la nitidez y el contraste al minimo, la saturación a -2 y el tono lo dejamos por defecto. Este perfil nos dará la posibilidad de crear nuestro look en post-producción usando Magic Bullet, Apple Color o cualquier otro plugin de etalonaje.
Control de Luces
Ahora que tenemos nuestro perfil de imagen, hay que controlar la forma que tiene la cámara de manejar la luz. Hay dos opciones que pueden fastidiar nuestra imagen si no las tenemos en cuenta. La primera es el “Auto Lighting Optimizer” que es un sistema desarrollado por Canon que aumenta o disminuye el brillo de la imagen dependiendo de las condiciones de luz. Por ejemplo, en caso de haber un fuerte contraluz, subirá el brillo en las sombras para no perderlas. Esto puede provocar cambios de brillo repentinos que no queremos e introducir ruido en la imagen.
La otra opción que nos interesa es el “Highlight tone priority“. En este caso puede intersarnos activarla o desactivarla ya que lo que hace esta opción es dar o quitar prioridad a las luces a la hora de procesar la imagen del sensor. Es decir, si rodamos una escena con muchos tonos claros la cámara bajará la ganancia ligeramente para que no se quemen las zonas claras sin necesidad de que toquemos ningún otro ajuste en la cámara. Esto, obviamente, a costa de perder algo de detalle en las zonas oscuras. Como he dicho, es algo que puede que necesitamos en alguna situación.
En la segunda sección del menú de la 7D tenemos la opción de “Auto Lighting Optimizer”. Entramos en ella y lo desactivamos, muy sencillo.
Para activar o desactivar el “Highlight Tone Priority” tenemos que entrar en el menu de funciones avanzadas de imagen, que en el caso de la 7D es el penultimo icono del menu y está marcado con un fondo naranja. Una vez dentro, en la sección “C.FnII: Image” podemos activarlo o desactivarlo.
Perfiles Personalizados
Una de las mejores cosas que tienen la 7D y la 5D Mk2 es un selector de modos con 3 funciones personalizables (C1, C2 y C3). Esto no existe en la 550D ni en la 60D, por desgracia.
Lo que estas 3 funciones nos permiten es definir estilos de rodaje y cambiar de uno a otro sin tener que ponernos a cambiar opciones en los menus a mitad de rodaje. Por ejemplo, podemos poner el C1 para que grabe a 1080p 25fps con el HTP desactivado y el C2 para que grabe a 720p 50fps con el HTP activado y el balance de blancos en modo de exterior soleado. Es totalmente personalizable.
Para configurar los modos simplemente tenemos que configurar la cámara como queramos y luego ir al antepenúltimo menu (en la 7D) y elegir la opción “Camera user setting”. Dentro de ese menu seleccionamos “Register” y elegimos en que numero de modo queremos guardar la configuración.
Luego repetimos la operación para cada uno de los modos que queramos configurar y ya está.
ISOs Nativos
Además de lo ya comentado, hay otra cosa a tener en cuenta cuando rodamos. Los sensores que usa Canon tienen unos modos ISO que se consideran “nativos” y otros que se consiguen sumando o restando ganancia digital los modos nativos. Eso nosignifica que debamos usar solo los ISOs nativos.
Los ISOs nativos son 100, 200, 400, 800, 1600 y 3200 y los demás llevan ganancia subida o bajada en aproximadamente 1/3 de stop. ISO 125 es 100 con la gananciasubida. 160 es 200 con la ganancia bajada. 250 es 200 con la ganancia subida y 320 es 400 con la ganancia bajada. Así hasta el final.
Los ISOs con menos ruido son 160, 320, 640, etc. porque son un ISO nativo con la ganancia bajada. ¿Significa esto que debemos usarlos siempre? No. Porque al bajar la ganancia no estamos recuperando detalle en las luces, simplemente el tono blanco se volverá ligeramente grisáceo. Por esta razón hay que decidir si queremos una imagen mas limpia a costa de perder rango dinámico.
En resumen, podemos usar el ISO que nos de la gana, pero es mejor evitar los que llevan ganancia aumentada digitalmente porque no nos aportan beneficios pero si que nos añaden ruido a la imagen. Estos son 125, 250, 500, 1000, 2000 y 6400.
En este hilo de Cinema5D podeis ver en imagenes lo que comento.
Obturador y Diafragma
Mucha gente está tras el “look cine” pero la mayoría se olvidan de que no todo es el color y la iluminación; la velocidad de obturación a la que grabas ayuda mucho a dar ese toque peliculero al movimiento de lo que sale en pantalla. En cine existe la “regla de los 180º” que consiste en poner el obturador al doble de los fotogramas por segundo.
En caso de estar grabando a 25fps pondremos el obturador a 1/50, en caso de 24fps a1/48 (1/50 es lo mas cercano que hay en las DSLRs) y en caso de estar rodando a60fps pondremos 1/120 (esto tiene el beneficio secundario de que si vamos a conformar a 25fps para slow motion, habrá mucho menos desenfoque de movimiento).
Para la gente mas experimentada esto es algo conocido, pero veo muchos cortos rodados con DSLRs que usan obturadores altos (normalmente para compensar por el exceso de luz en exteriores) y por culpa de ello consiguen movimientos demasiado “cortantes” y artificiales en los actores.
Si quieres grabar con el diafragma muy abierto (f2.8 por ejemplo) y a 1/50 en exteriores normalmente te vas a encontrar con que hay demasiada luz, incluso a ISO 100. La solución para eso es usar filtros de densidad neutra (ND). Las cámaras de video profesionales suelen llevar uno o dos filtros incorporados pero las DSLR no. La mejor solución para esto es usar filtros ND variables. Consisten en dos polarizadores montados juntos y al rotar uno de ellos conseguimos bloquear la luz hasta el punto que nosotros queramos, pudiendo rodar con el diafragma todo lo abierto que queramos sin necesidad de subir el obturador.
Hay varios en el mercado, pero el mejor en relación calidad/precio diría que es el Fader ND II de Light Craft Workshop. Recomiendo comprar un par de ellos en tamaños mas grandes que vuestros objetivos y usar anillos adaptadores, que ademas os ayudará a evitar cualquier posible viñeteo.
Si se me ocurren mas cosas que añadir actualizaré el post. El próximo articulo será una recopilación de accesorios que podemos ponerle a nuestra DSLR para ayudarnos a la hora de rodar.
miércoles, 7 de marzo de 2012
Frames per Second…
O lo que es lo mismo, imágenes por segundo.
Y es que en estos días se habla mucho sobre la tendencia seguir,
todavia algunas personas al iniciar una producción están indecisas sobre
el rango de imágenes a elegir. Evidentemente eso es una elección
personal y nosotros no queremos influir a nadie en este tema, pero por
lo menos vamos a intentar dejar una idea clara, sobre lo que son los Frames per Second y como y donde se utilizan.
¿Que es un frame?
Se denomina frame en inglés, a un fotograma o cuadro, una imagen particular dentro de una sucesión de imágenes que componen una animación. La continua sucesión de estos fotogramas producen a la vista la sensación de movimiento, dado por las pequeñas diferencias que hay entre cada uno de ellos. Las imágenes por segundo (en inglés frames per second, FPS) es la medida de la frecuencia a la cual un reproductor de imágenes genera distintos fotogramas (frames).
Se denomina frame en inglés, a un fotograma o cuadro, una imagen particular dentro de una sucesión de imágenes que componen una animación. La continua sucesión de estos fotogramas producen a la vista la sensación de movimiento, dado por las pequeñas diferencias que hay entre cada uno de ellos. Las imágenes por segundo (en inglés frames per second, FPS) es la medida de la frecuencia a la cual un reproductor de imágenes genera distintos fotogramas (frames).
Para conseguir que el sistema visual humano vea movimiento hemos de tener en cuenta que:
- Para no observar parpadeo se ha de tener una frecuencia de fotograma mayor a 50 Hz.
- La discontinuidad de movimiento tiene una frecuencia de fotograma menor de 12–15 Hz.
Estas frecuencias van en relación a la
frecuencia de la red eléctrica. En Europa es de 50 Hz, es decir el doble
de la frecuencia de la televisión que es de 25 fotogramas cada segundo
o, lo que es lo mismo, 25 Hz. En EE.UU. y Japón es de 60 Hz, el doble de
la frecuencia de la televisión que es de 30 fotogramas cada segundo o,
lo que es prácticamente lo mismo, 29,97 Hz.
Entonces y con esta regla de frecuencias, definimos que para el sistema PAL o SECAM utilizamos 25 imágenes por segundo y para el sistema NTSC utilizamos 30 imágenes por segundo.
Pero… ¿Que es un fotograma?
Se denomina fotograma a cada una de las imágenes impresionadas químicamente en la tira de celuloide del cinematógrafo o bien en la película fotográfica. Por extensión también se llama de ese modo a cada una de las imágenes individuales captadas por cámaras de video analógica o digitalmente.
Se denomina fotograma a cada una de las imágenes impresionadas químicamente en la tira de celuloide del cinematógrafo o bien en la película fotográfica. Por extensión también se llama de ese modo a cada una de las imágenes individuales captadas por cámaras de video analógica o digitalmente.
Y el cinematógrafo… ¿que es?
Pues es un dispositivo opto-mecánico empleado para mostrar películas al proyectarlas en una pantalla. O lo que es lo mismo un proyector de cine. Desde el nacimiento del cine sonoro, casi todos los proyectores de cine comerciales proyectan a una frecuencia de 24 imágenes por segundo. Esta velocidad se eligió por razones financieras y técnicas: era la frecuencia más baja (por lo que requería menor cantidad de película) a la que se podía realizar una reproducción y amplificación del sonido satisfactorias. Hay sin embargo algunos formatos especiales como Showscan o Maxivisión que proyectan a frecuencias más altas, a menudo 48 imágenes por segundo.
Entonces y después de toda esta teoría, ¿Que rango de imágenes por segundo tengo que elegir para grabar con mi DSLR?Pues es un dispositivo opto-mecánico empleado para mostrar películas al proyectarlas en una pantalla. O lo que es lo mismo un proyector de cine. Desde el nacimiento del cine sonoro, casi todos los proyectores de cine comerciales proyectan a una frecuencia de 24 imágenes por segundo. Esta velocidad se eligió por razones financieras y técnicas: era la frecuencia más baja (por lo que requería menor cantidad de película) a la que se podía realizar una reproducción y amplificación del sonido satisfactorias. Hay sin embargo algunos formatos especiales como Showscan o Maxivisión que proyectan a frecuencias más altas, a menudo 48 imágenes por segundo.
Pues eso ya es decisión vuestra, pensando siempre donde vamos a emitir nuestra producción. Por ejemplo:
- Si vamos a reproducir nuestra producción en una televisión con sistema PAL o SECAM grabaremos a 25 imagenes por segundo.
- Si vamos a reproducir nuestra producción en una televisión con sistema NTSC grabaremos a 30 imagenes por segundo.
- Si nuestra producción va destinada a una SALA DE CINE, grabaremos a 24 imágenes por segundo.
- Si nuestra producción va destinada a INTERNET, nos da igual las imágenes por segundo que utilicemos.
Si considero importante una reflexion de James Cameron sobre la velocidad de fotogramas empleados en el cine, que se refleja en el libro de Kurt Lancaster: “Cine DSLR” de la cual os dejo un extracto:
Porque la gente se ha estado haciendo la pregunta equivocada durante años. Se ha centrado en la resolución y en el recuento de pixeles y líneas, peros se ha olvidado de la velocidad de fotogramas. La resolución percibida = pixeles x velocidad de sustitucion. Una imagen de 2K a 48 fotogramas por segundo es tan nitida como una imagen 4K a 24 fotogramas por segundo…, con una diferencia fundamental: la imagen de 4K a 24 vibrará mucho durante una toma panoramica y la imagen de 2K a 48 no lo hara. Un mayor numero de pixeles solo conserva efectos ópticos como el estroboscópico con mayor fidelidad, pero no soluciona el problema en absoluto, (Cohen, D.S., 10 de abril de 2008, “James Cameron supercharges 3-D”, Variety).
martes, 6 de marzo de 2012
Tiras LED para Ring light
Estas tiras LEDs son la manera más fácil de crear un Ring Light, generalmente este modelo elástico e impermeable viene con 1 LED por centímetro y se alimentan con una pila de 12v o con un transformador de 12v, generalmente los transformadores de laptops vienen de ese voltaje entonces antes de ir a comprar uno revisen si en la casa algún familiar tiene uno viejo o abandonado.
lunes, 27 de febrero de 2012
Configurar nuestra DSLR para video
El video con cámaras réflex está demostrando ser una revolución. Poder grabar video de calidad profesional
con una cámara que cuesta mucho menos que cámaras de video de calidad
equivalente y que ademas son pequeñas, versátiles y discretas nos
permite rodar en casi cualquier sitio al mas puro estilo “guerrilla”.
Pero el hecho de que nuestra cámara pueda grabar video no significa que
sepamos configurar la cámara para que grabe el mejor video posible; no
hay que olvidad que Canon incluyó la función de video como un “extra” y
que nunca fue pensado como la función principal de sus modelos actuales.
Esta guía está principalmente pensada para la Canon 7D ya que es el
modelo que yo uso, pero la mayoría de cosas pueden extrapolarse a la 5D
Mk2, 550D y 60D.
Perfil de Imagen
Lo primero que hay que configurar es un perfil de imagen que nos permita etalonar la imagen en post-producción sin destruirla. Una de las limitaciones del video con DSLRs es que el video queda grabado en H.264 bastante comprimido y ya de base nos hace perder imagen y control en post. Si configuramos un perfil de imagen “plano” podemos conseguir mayor detalle tanto en las sombras como en las luces y luego en post ajustar contraste, saturación y nitidez hasta llegar a nuestro look deseado.
En la 7D vamos a pulsar el boton Menu, ir a la segunda sección y
entrar en “Picture Style”. Una vez ahi elegiremos uno de los perfiles de
usuario y pulsaremos el boton fisico “INFO.” para configurarlo.
Elegimos el perfil “neutral” como base y bajamos la
nitidez y el contraste al minimo, la saturación a -2 y el tono lo
dejamos por defecto. Este perfil nos dará la posibilidad de crear
nuestro look en post-producción usando Magic Bullet, Apple Color o
cualquier otro plugin de etalonaje.
Control de Luces
Ahora que tenemos nuestro perfil de imagen, hay que controlar la forma que tiene la cámara de manejar la luz. Hay dos opciones que pueden fastidiar nuestra imagen si no las tenemos en cuenta. La primera es el “Auto Lighting Optimizer” que es un sistema desarrollado por Canon que aumenta o disminuye el brillo de la imagen dependiendo de las condiciones de luz. Por ejemplo, en caso de haber un fuerte contraluz, subirá el brillo en las sombras para no perderlas. Esto puede provocar cambios de brillo repentinos que no queremos e introducir ruido en la imagen.
La otra opción que nos interesa es el “Highlight tone priority“. En este caso puede intersarnos activarla o desactivarla ya que lo que hace esta opción es dar o quitar prioridad a las luces a la hora de procesar la imagen del sensor. Es decir, si rodamos una escena con muchos tonos claros la cámara bajará la ganancia ligeramente para que no se quemen las zonas claras sin necesidad de que toquemos ningún otro ajuste en la cámara. Esto, obviamente, a costa de perder algo de detalle en las zonas oscuras. Como he dicho, es algo que puede que necesitamos en alguna situación.
En la segunda sección del menú de la 7D tenemos la opción de “Auto Lighting Optimizer”. Entramos en ella y lo desactivamos, muy sencillo.
Para activar o desactivar el “Highlight Tone Priority” tenemos que entrar en el menu de funciones avanzadas de imagen, que en el caso de la 7D es el penultimo icono del menu y está marcado con un fondo naranja. Una vez dentro, en la sección “C.FnII: Image” podemos activarlo o desactivarlo.
Perfiles Personalizados
Una de las mejores cosas que tienen la 7D y la 5D Mk2 es un selector de modos con 3 funciones personalizables (C1, C2 y C3). Esto no existe en la 550D ni en la 60D, por desgracia.
Lo que estas 3 funciones nos permiten es definir estilos de rodaje y
cambiar de uno a otro sin tener que ponernos a cambiar opciones en los
menus a mitad de rodaje. Por ejemplo, podemos poner el C1 para que grabe
a 1080p 25fps con el HTP desactivado y el C2 para que grabe a 720p
50fps con el HTP activado y el balance de blancos en modo de exterior
soleado. Es totalmente personalizable.
Para configurar los modos simplemente tenemos que configurar la cámara como queramos y luego ir al antepenúltimo menu (en la 7D) y elegir la opción “Camera user setting”. Dentro de ese menu seleccionamos “Register” y elegimos en que numero de modo queremos guardar la configuración.
Luego repetimos la operación para cada uno de los modos que queramos configurar y ya está.
ISOs Nativos
Además de lo ya comentado, hay otra cosa a tener en cuenta cuando rodamos. Los sensores que usa Canon tienen unos modos ISO que se consideran “nativos” y otros que se consiguen sumando o restando ganancia digital los modos nativos. Eso no significa que debamos usar solo los ISOs nativos.
Los ISOs nativos son 100, 200, 400, 800, 1600 y 3200 y los demás llevan ganancia subida o bajada en aproximadamente 1/3 de stop. ISO 125 es 100 con la ganancia subida. 160 es 200 con la ganancia bajada. 250 es 200 con la ganancia subida y 320 es 400 con la ganancia bajada. Así hasta el final.
Los ISOs con menos ruido son 160, 320, 640, etc. porque son un ISO nativo con la ganancia bajada. ¿Significa esto que debemos usarlos siempre? No. Porque al bajar la ganancia no estamos recuperando detalle en las luces, simplemente el tono blanco se volverá ligeramente grisáceo. Por esta razón hay que decidir si queremos una imagen mas limpia a costa de perder rango dinámico.
En resumen, podemos usar el ISO que nos de la gana, pero es mejor evitar los que llevan ganancia aumentada digitalmente porque no nos aportan beneficios pero si que nos añaden ruido a la imagen. Estos son 125, 250, 500, 1000, 2000 y 6400.
Mucha gente está tras el “look cine” pero la mayoría se olvidan de que no todo es el color y la iluminación; la velocidad de obturación a la que grabas ayuda mucho a dar ese toque peliculero al movimiento de lo que sale en pantalla. En cine existe la “regla de los 180º” que consiste en poner el obturador al doble de los fotogramas por segundo.
En caso de estar grabando a 25fps pondremos el obturador a 1/50, en caso de 24fps a 1/48 (1/50 es lo mas cercano que hay en las DSLRs) y en caso de estar rodando a 60fps pondremos 1/120 (esto tiene el beneficio secundario de que si vamos a conformar a 25fps para slow motion, habrá mucho menos desenfoque de movimiento).
Para la gente mas experimentada esto es algo conocido, pero veo muchos cortos rodados con DSLRs que usan obturadores altos (normalmente para compensar por el exceso de luz en exteriores) y por culpa de ello consiguen movimientos demasiado “cortantes” y artificiales en los actores.
Si quieres grabar con el diafragma muy abierto (f2.8 por ejemplo) y a 1/50 en exteriores normalmente te vas a encontrar con que hay demasiada luz, incluso a ISO 100. La solución para eso es usar filtros de densidad neutra (ND). Las cámaras de video profesionales suelen llevar uno o dos filtros incorporados pero las DSLR no. La mejor solución para esto es usar filtros ND variables. Consisten en dos polarizadores montados juntos y al rotar uno de ellos conseguimos bloquear la luz hasta el punto que nosotros queramos, pudiendo rodar con el diafragma todo lo abierto que queramos sin necesidad de subir el obturador.
Hay varios en el mercado, pero el mejor en relación calidad/precio diría que es el Fader ND II de Light Craft Workshop. Recomiendo comprar un par de ellos en tamaños mas grandes que vuestros objetivos y usar anillos adaptadores, que ademas os ayudará a evitar cualquier posible viñeteo.
Si se me ocurren mas cosas que añadir actualizaré el post. El próximo articulo será una recopilación de accesorios que podemos ponerle a nuestra DSLR para ayudarnos a la hora de rodar.
Perfil de Imagen
Lo primero que hay que configurar es un perfil de imagen que nos permita etalonar la imagen en post-producción sin destruirla. Una de las limitaciones del video con DSLRs es que el video queda grabado en H.264 bastante comprimido y ya de base nos hace perder imagen y control en post. Si configuramos un perfil de imagen “plano” podemos conseguir mayor detalle tanto en las sombras como en las luces y luego en post ajustar contraste, saturación y nitidez hasta llegar a nuestro look deseado.
Control de Luces
Ahora que tenemos nuestro perfil de imagen, hay que controlar la forma que tiene la cámara de manejar la luz. Hay dos opciones que pueden fastidiar nuestra imagen si no las tenemos en cuenta. La primera es el “Auto Lighting Optimizer” que es un sistema desarrollado por Canon que aumenta o disminuye el brillo de la imagen dependiendo de las condiciones de luz. Por ejemplo, en caso de haber un fuerte contraluz, subirá el brillo en las sombras para no perderlas. Esto puede provocar cambios de brillo repentinos que no queremos e introducir ruido en la imagen.
La otra opción que nos interesa es el “Highlight tone priority“. En este caso puede intersarnos activarla o desactivarla ya que lo que hace esta opción es dar o quitar prioridad a las luces a la hora de procesar la imagen del sensor. Es decir, si rodamos una escena con muchos tonos claros la cámara bajará la ganancia ligeramente para que no se quemen las zonas claras sin necesidad de que toquemos ningún otro ajuste en la cámara. Esto, obviamente, a costa de perder algo de detalle en las zonas oscuras. Como he dicho, es algo que puede que necesitamos en alguna situación.
En la segunda sección del menú de la 7D tenemos la opción de “Auto Lighting Optimizer”. Entramos en ella y lo desactivamos, muy sencillo.
Para activar o desactivar el “Highlight Tone Priority” tenemos que entrar en el menu de funciones avanzadas de imagen, que en el caso de la 7D es el penultimo icono del menu y está marcado con un fondo naranja. Una vez dentro, en la sección “C.FnII: Image” podemos activarlo o desactivarlo.
Una de las mejores cosas que tienen la 7D y la 5D Mk2 es un selector de modos con 3 funciones personalizables (C1, C2 y C3). Esto no existe en la 550D ni en la 60D, por desgracia.
Para configurar los modos simplemente tenemos que configurar la cámara como queramos y luego ir al antepenúltimo menu (en la 7D) y elegir la opción “Camera user setting”. Dentro de ese menu seleccionamos “Register” y elegimos en que numero de modo queremos guardar la configuración.
ISOs Nativos
Además de lo ya comentado, hay otra cosa a tener en cuenta cuando rodamos. Los sensores que usa Canon tienen unos modos ISO que se consideran “nativos” y otros que se consiguen sumando o restando ganancia digital los modos nativos. Eso no significa que debamos usar solo los ISOs nativos.
Los ISOs nativos son 100, 200, 400, 800, 1600 y 3200 y los demás llevan ganancia subida o bajada en aproximadamente 1/3 de stop. ISO 125 es 100 con la ganancia subida. 160 es 200 con la ganancia bajada. 250 es 200 con la ganancia subida y 320 es 400 con la ganancia bajada. Así hasta el final.
Los ISOs con menos ruido son 160, 320, 640, etc. porque son un ISO nativo con la ganancia bajada. ¿Significa esto que debemos usarlos siempre? No. Porque al bajar la ganancia no estamos recuperando detalle en las luces, simplemente el tono blanco se volverá ligeramente grisáceo. Por esta razón hay que decidir si queremos una imagen mas limpia a costa de perder rango dinámico.
En resumen, podemos usar el ISO que nos de la gana, pero es mejor evitar los que llevan ganancia aumentada digitalmente porque no nos aportan beneficios pero si que nos añaden ruido a la imagen. Estos son 125, 250, 500, 1000, 2000 y 6400.
En este hilo de Cinema5D podeis ver en imagenes lo que comento.
Obturador y DiafragmaMucha gente está tras el “look cine” pero la mayoría se olvidan de que no todo es el color y la iluminación; la velocidad de obturación a la que grabas ayuda mucho a dar ese toque peliculero al movimiento de lo que sale en pantalla. En cine existe la “regla de los 180º” que consiste en poner el obturador al doble de los fotogramas por segundo.
En caso de estar grabando a 25fps pondremos el obturador a 1/50, en caso de 24fps a 1/48 (1/50 es lo mas cercano que hay en las DSLRs) y en caso de estar rodando a 60fps pondremos 1/120 (esto tiene el beneficio secundario de que si vamos a conformar a 25fps para slow motion, habrá mucho menos desenfoque de movimiento).
Para la gente mas experimentada esto es algo conocido, pero veo muchos cortos rodados con DSLRs que usan obturadores altos (normalmente para compensar por el exceso de luz en exteriores) y por culpa de ello consiguen movimientos demasiado “cortantes” y artificiales en los actores.
Si quieres grabar con el diafragma muy abierto (f2.8 por ejemplo) y a 1/50 en exteriores normalmente te vas a encontrar con que hay demasiada luz, incluso a ISO 100. La solución para eso es usar filtros de densidad neutra (ND). Las cámaras de video profesionales suelen llevar uno o dos filtros incorporados pero las DSLR no. La mejor solución para esto es usar filtros ND variables. Consisten en dos polarizadores montados juntos y al rotar uno de ellos conseguimos bloquear la luz hasta el punto que nosotros queramos, pudiendo rodar con el diafragma todo lo abierto que queramos sin necesidad de subir el obturador.
Hay varios en el mercado, pero el mejor en relación calidad/precio diría que es el Fader ND II de Light Craft Workshop. Recomiendo comprar un par de ellos en tamaños mas grandes que vuestros objetivos y usar anillos adaptadores, que ademas os ayudará a evitar cualquier posible viñeteo.
Si se me ocurren mas cosas que añadir actualizaré el post. El próximo articulo será una recopilación de accesorios que podemos ponerle a nuestra DSLR para ayudarnos a la hora de rodar.
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